Die Spielzeit 21–22 der Wiener Symphoniker

Unter dem Motto „Puls der Stadt“ widmen sich die Wiener Symphoniker in der Spielzeit 2021–22 gezielt Wien und der Begegnung mit den Menschen dieser Stadt. Zusätzlich zu den Konzerten im Wiener Konzerthaus und im Musikverein Wien, die das Rückgrat des Orchesters bilden, bewegen sich die Wiener Symphoniker auf bisher unbegangenen Pfaden in und durch ihre Stadt. Neue Formate und neue Spielstätten zeugen vom Selbstverständnis des Orchesters, Musik allen Menschen zugänglich machen zu wollen und dabei Neues entstehen zu lassen. Mit 116 Konzerten in Wien ist das Orchester an 13 Spielstätten präsent. Neu dabei sind etwa der Stephansdom mit einem Adventkonzert, der Prater mit einem Open-Air-Konzert zum Schulschluss und das Kunsthistorische Museum Wien mit der neu geschaffenen Kammermusik-Serie.

Chefdirigent Andrés Orozco-Estrada

In seiner zweiten Spielzeit als Chefdirigent der Wiener Symphoniker wird Andrés Orozco-Estrada mehr als 60 Konzerte leiten. Dabei legt auch er einen klaren Fokus auf Wien, in dem er Schwerpunkte auf Wiener Komponisten und Werke legt. Neben Joseph Haydn – einer der zentralen Komponisten in der Arbeit Orozco-Estradas – prägt Gustav Mahler – u. a. mit der Aufführung seiner Ersten und seiner Dritten Symphonie die Saison. „Der Kongress tanzt“ heißt es bei der Beethoven-Akademie von 1814, bei der neben dessen Siebter Symphonie auch die Kantate „Der glorreiche Augenblick“, und „Wellingtons Sieg oder Die Schlacht bei Vittoria“ im Wiener Konzerthaus gespielt werden wird. Nachdem alle Tourneen in der Vorsaison pandemiebedingt abgesagt werden mussten, werden Andrés Orozco-Estrada und die Wiener Symphoniker in der Spielzeit 2021–22 neben Gastspielen in Budapest und Frankfurt auch auf Tourneen durch Österreich (Graz, Salzburg, Bregenz), Europa (Spanien, Frankreich, Deutschland), sowie zu einer großen Asien-Tournee mit Rudolf Buchbinder aufbrechen (Taiwan, China, Korea).

Künstlerische Schwerpunkte

Neben den zentralen Stücken der Klassik und der Romantik sind Werke aus der Gründungszeit des Orchesters und danach fest im Repertoire verankert. „Wir betrachten das Œuvre von Alexander von Zemlinsky, Alban Berg, Anton Webern oder Erich Wolfgang Korngold als identitätsstiftend für uns“ hält Intendant Jan Nast an der im Vorjahr begonnenen Auseinandersetzung mit der Gründungsepoche der Wiener Symphoniker fest. Zemlinskys Sechs Gesänge nach Gedichten von Maurice Maeterlinck, Anton Weberns Im Sommerwind, Korngolds Märchenbilder oder Alban Bergs Violinkonzert Dem Andenken eines Engels mit Vilde Frang finden sich im Programm der nächsten Spielzeit.

Mit Martin Grubinger wird ein langjähriger künstlerischer Partner des Orchesters die Rolle des WSY-Artist einnehmen. Unter der musikalischen Leitung des Komponisten selbst spielt Grubinger Tan Duns The Tears of Nature sowie Kalevi Ahos Siedi und Avner Dormans Frozen in Time, das Martin Grubinger bereits mehr als 130 Mal interpretiert hat.

Eine langjährige Partnerschaft verbindet das Orchester auch mit dem Festival Wien Modern. 2021 werden die Wiener Symphoniker das Abschlusskonzert des Festivals unter der musikalischen Leitung Beat Furrers spielen. Dabei kommen nicht nur sein Konzert für Violine und Orchester und ein Neues Orchesterwerk zur Aufführung, sondern auch Milica Djordjevićs Quicksilver für großes Orchester.

Gemeinsam mit dem Wiener Konzerthaus wurde Johannes Maria Staud mit einem Kompositionsauftrag für die Saison 2021–22 beauftragt. Sein Werk für Sopran und Orchester, dem Staud Gedichte des amerikanischen Lyrikers Williams Carlos Williams zugrunde legt, wird am 17. Februar 2022 unter der musikalischen Leitung von Andrés Orozco-Estrada und mit Sopranistin Andrea Carroll uraufgeführt.

Neu: Kammermusik im Kunsthistorischen Museum Wien

In Kooperation mit dem Kunsthistorischen Museum Wien laden Ensembles der Wiener Symphoniker ins Museum. Jeder Abend wird von einer exklusiven Führung zu ausgewählten Exponaten begonnen und anschließend im Konzert auch musikalisch eingeordnet. Die Kammermusik-Konzerte finden im Bassano-Saal des Museums statt. Im Preis sind Museumseintritt, Konzertbesuch sowie eine exklusive Führung inkludiert.

Die Wiener Symphoniker als Opernorchester

Mit Arrigo Boitos Oper Nero eröffnen die Wiener Symphoniker im Juli 2021 die 75. Bregenzer Festspiele. Neben der Wiederaufnahme des Rigoletto auf der Seebühne wird Andrés Orozco-Estrada eine halbszenische Aufführung des Rheingold im Festspielhaus leiten. An Wagner orientierte sich auch Alfredo Catalani in seiner Oper La Wally, die auf dem Spielplan des Theater an der Wien steht. In einer Inszenierung von Barbora Horáková und unter Leitung von Chefdirigent Andrés Orozco-Estrada werden die Wiener Symphoniker insgesamt sechs Mal im Graben des Opernhauses an der Linken Wienzeile spielen.

Erstmals in der Orchestergeschichte werden die Wiener Symphoniker im Volkstheater zu Gast sein. Dort wirken sie an der Aufführung von Ragnar Kjartanssons Stück Der Klang der Offenbarung des Göttlichen mit, für das Kjartan Sveinsson, ein ehemaliges Mitglied der berühmten isländischen Postrock-Band Sigur Rós, die aufwändige Musik geschrieben hat.

Aus Young Symphony wird Open Symphony

Der Entwicklung der vergangenen Jahre folgend, wird das Musikvermittlungs-Programm der Wiener Symphoniker „Young Symphony“ in „Open Symphony“ umbenannt. Mit mehr als 40 Workshops, 45 Konzerten und zahlreichen weiteren Angeboten bieten die Wiener Symphoniker jährlich tausenden Kindern, Schülern, Familien und Erwachsenen erste, tiefergehende oder auch unerwartete Berührungsmöglichkeiten mit klassischer Musik. Neu in der Saison 2021­­–22 sind die Käfigkonzerte in Wiens Fußball- und Spielkäfigen, die in Zusammenarbeit mit dem Kulturverein ARGE Henriette organsiert werden. Zum zweiten Mal wird der von Andrés Orozco-Estrada initiierte Nachwuchspreis WSY-Talent ausgelobt, der in Kooperation mit dem Jugendmusikwettbewerb „prima la musica“ ausgezeichneten Nachwuchsmusiker:innen Gelegenheit gibt, Solowerke mit den Wiener Symphonikern einzustudieren und im Mozart-Saal des Wiener Konzerthauses öffentlich aufzuführen.

Abonnements & Service

Neben den von der Gesellschaft der Musikfreunde veranstalteten Zyklen im Musikverein, den Auftritten als Opernorchester im Theater an der Wien und als Orchestra in Residence der Bregenzer Festspiele bieten die Wiener Symphoniker auch in diesem Jahr wieder eigene Zyklen in Kooperation mit der Wiener Konzerthausgesellschaft an. Neben dem Zyklus „Wiener Symphoniker“ finden die erfolgreichen Matineen mit Barbara Rett, die 19:00-Konzerte Fridays@7, sowie die feierlichen Festkonzerte und die erfolgreiche Musikvermittlungs-Reihe Vorhören! ihre Fortsetzung. Neu ist die achtteilige Kammermusik-Reihe im Kunsthistorischen Museum Wien. Das Kammermusik-Abonnement gibt es auch als Wahlabo mit 6 oder 4 Konzerten in der Saison.

Alle Abonnements der Wiener Symphoniker können über unsere Website sowie über das Ticket- und Service-Center des Wiener Konzerthauses unter 01/242002 oder ticket@konzerthaus.at gebucht werden.

Die Saisonbroschüre findet sich online und kann bei Interesse unter office@wienersymphoniker.at bestellt werden.

Neu: Erstmals präsentieren die Wiener Symphoniker in Kooperation mit dem Weingut Wieninger zwei Saisonweine. „Zemlinsky“ (Wiener Trilogie) und „Ziehrer“ (Wiener Gemischter Satz DAC) sind ab September 2021 im neuen Online-Shop des Orchesters erhältlich.

von Walter Weidringer

"Vindobona, Heil und Glück, Welt, dein großer Augenblick!“, jubelt der Chor am Schluss von Beethovens Kantate Der glorreiche Augenblick op. 136, und das Orchester stimmt in den Triumph mit ein. Die großen, überwältigenden Momente der Musik sind es, um deretwillen es uns in den Konzertsaal zieht, ins Opernhaus und auch immer öfter an weitere Orte der Stadt, wo uns die hehren Klänge überraschen mögen und ihr Zauber auf andere Weise wirksam wird: im wunderbaren Hof des MuseumsQuartiers etwa. Für die Wiener Symphoniker und ihren Chefdirigenten Andrés Orozco-Estrada ist es jedenfalls hier wie dort der höchste Auftrag, das Publikum mit packenden Werken aus Vergangenheit und Gegenwart in den Bann zu ziehen – sei es auf den angestammten Podien in Konzerthaus und Musikverein sowie im Graben des Theaters an der Wien, sei es bei Tourneen im In- und Ausland. Zum Beispiel eben mit dem Wiederaufleben jener Beethoven-Akademie von 1814 aus der Zeit des Wiener Kongresses, mit der der Komponist einen der rauschendsten Erfolge seines Lebens feiern konnte. Die eingangs genannte Kantate, das Schlachtengemälde Wellingtons Sieg, das eine entscheidende Niederlage der napoleonischen Truppen hymnisch feiert, und der Freudentaumel der Symphonie Nr. 7: Das verspricht auch nach über zwei Jahrhunderten noch ein Erlebnis von singulärer Intensität, diesmal mitgestaltet u. a. von der Wiener Singakademie.

Neue Wege des Hörens und Erlebens

Der Wiener Singverein tritt hingegen an, wenn es gilt, Haydns Jahreszeiten Klang werden zu lassen, das mitreißende Oratorium mit seiner von Rousseau stammenden, aber längst wieder brennend aktuell gewordenen Botschaft „Zurück zur Natur!“ Und man darf bei aller Erhabenheit auch wieder einmal schmunzeln über Haydns Erfindungsgeist: „Einen so komischen Kontrapunkt und eine so besoffene Fuge habe ich noch nie geschrieben“, meint er selbst zur Musik der Weinlese im Herbst. Vollends werden die Lachmuskeln beansprucht, wenn in der Reihe „Hauskonzert“ die Symphonie Nr. 60 erklingt, nicht von Ungefähr Il Distratto genannt: Darin wird mit zahlreichen Scherzen und Überraschungen tatsächlich ein „Zerstreuter“ porträtiert. Gemeinsam mit dem Orchester kostet Andrés Orozco-Estrada die Symphonie nicht nur musikalisch aus, er schlüsselt sie auch als Moderator auf – und beweist damit nebenbei, dass in der Musik auch ein erklärter Witz lustig ist. Überhaupt geht es ihm ganz besonders auch darum, den Neugierigen ungeahnte Wege zum Hören und Erleben zu erschließen: Wer möchte sich nicht vom strahlenden Sonnenaufgang am Beginn Richard Strauss’ Also sprach Zarathustra aus nächster Nähe überwältigen und in den Weltraum katapultieren lassen – beinah auf Tuchfühlung mit den Musikerinnen und Musikern? Die Reihe „Im Klang“ macht’s möglich. Den herkömmlichehrwürdigen Konzerterlebnissen tut das freilich keinen Abbruch, und Andrés Orozco-Estrada beschreitet dabei mit den Wiener Symphonikern die schon eingeschlagenen Wege weiter: eine spannende Mischung aus großen und raren Werken der Musikgeschichte von der Klassik bis zur Gegenwart.

Mit dabei sind international gesuchte Solistinnen und Solisten – sowie auch nicht minder glänzende Vertreter aus den eigenen Reihen des Orchesters. Konzertmeister Anton Sorokow zum Beispiel, dessen Violine sich in Graz, Salzburg und Bregenz plötzlich in eine Primadonna verwandelt und mit Rezitativgesten ein pompöses Rituell unterbricht: „O Freunde, nicht diese Töne!“, scheint sie einzuwenden – und tatsächlich schwenkt das Orchester daraufhin um und präsentiert ein wesentlich leichtgewichtigeres Thema für dieses Final-Rondo der Symphonie concertante, über das sich dann die Violine zusammen mit den Solistenkollegen Cello, Oboe und Fagott den ganzen geistsprühenden, virtuosen Satz lang lustig zu machen scheint: Natürlich, Haydn!

Apropos Primadonna: Keine Geringere als Anna Netrebko wird mit Andrés Orozco-Estrada, den Wiener Symphonikern und dem Singverein ein Programm mit Arien von Verdi, Tschaikowski und Cilea erarbeiten. Und eine echte Primadonnen-Rolle ist auch die Titelpartie von Alfredo Catalanis La Wally, die im Theater an der Wien herauskommt – von jener packenden Verismo- Oper über das Schicksal der Geier-Wally also, deren zentrale Arie ein auch in Film-Soundtracks wiederkehrender Hit geblieben ist.

Mahlers Hymnus auf die Liebe

Aber wir greifen vor: Mit einem Beethoven-Programm geht es auf Europa-Tournee und Rudolf Buchbinder wird mit den Klavierkonzerten von Johannes Brahms zuhause in Wien mit ebensolcher Freude erwartet wie auf einer gemeinsamen Asien-Reise. Von Anton Bruckner steht nicht nur die beliebte, glorios strahlende Symphonie Nr. 7 auf dem Programm, sondern auch der selten zu hörende 150. Psalm, dessen ekstatische Halleluja-Gesänge der Singverein anstimmt. Im Vergleich zu Gustav Mahlers Dritter zieht dieses Bruckner’sche Gotteslob im Nu vorüber, ist diese doch eine der umfangreichsten und zugleich eindrucksvollsten Symphonien überhaupt: Himmel und Erde klingen darin, Worte aus Nietzsches Zarathustra werden ebenso bemüht wie solche aus der Volksliedsammlung Des Knaben Wunderhorn – und am Ende steht ein großartiger Hymnus auf die Liebe. Dame Sarah Connolly führt in Wien und Budapest mit majestätischem Mezzosopran die Sangesscharen an, und Andrés Orozco-Estrada wird sich nicht nur in diesem musikalischen Weltendrama als Klangregisseur beweisen, der mit den Wiener Symphonikern alle Register zieht, sondern auch in Mahlers Erster, deren Finale einen euphorischen Triumph feiert.

Ganz anders Antonín Dvořáks Siebte, die sich erst auf den allerletzten Takten von d-Moll erlösend nach D-Dur wendet: eine fesselndes, düster-heroisches Werk, zugleich aber tänzerisch und kantilenenreich. Diese Worte passen auch nicht übel auf Pjotr Iljitsch Tschaikowskis Klavierkonzert Nr. 1, dessen langsame Einleitung mit ihrer hoheitsvollen Des-Dur-Kantilene zu den berühmtesten Melodien der Romantik gehört. Jenseits davon lauert freilich ein atemberaubend virtuoser „Kampf zweier ebenbürtiger Kräfte“, also von Klavier und Orchester, wie Tschaikowski selbst anmerkte: Martha Argerich wird mit den Wiener Symphonikern die Klingen kreuzen – rein freundschaftlich, versteht sich, mit Andrés Orozco-Estrada gleichsam als genießerischem Schiedsrichter.

Zeugnis eines unverhohlenen Kampfes ist freilich auch Dmitri Schostakowitschs Symphonie Nr. 5, mit der sich der Komponist nach der offiziellen Maßregelung durch die stalinistischen Parteibonzen reumütig zeigte und die „praktische Antwort eines Sowjetkünstlers auf gerechte Kritik“ lieferte – zumindest an der Oberfläche: Denn der staatlich angeordnete, massenwirksame „Optimismus“ des Werks, vor allem sein bombastischer Schluss, ist nur Fassade. „Man muss schon ein kompletter Trottel sein, um das nicht zu hören“, hat der Komponist seinen engsten Freunden anvertraut: Andrés Orozco-Estrada und die Wiener Symphoniker klopfen das faszinierende Werk auf diesen doppelten Boden hin ab.

Bachchoral und Kärntner Volksweise

Aber auch abenteuerliches Kopfkino ganz ohne Hintergedanken ist erlaubt: Mit den schwelgerischen Märchenbildern des Wunderkinds Erich Wolfgang Korngold, der später in Hollywood die Filmmusik prägen sollte, sowie mit Modest Mussorgskis Bildern einer Ausstellung in der glänzenden Instrumentierung von Maurice Ravel. Und auch Bohuslav Martinůs lyrisches Rhapsody-Concerto für Viola und Orchester von 1952, für das sich der Bratscher Antoine Tamestit seit Jahren einsetzt, beschwört auf ebenso intelligente wie unterhaltsame Weise romantische Erinnerungen.

Erinnerungen stehen auch beim wehmutsvoll-wundersamen Violinkonzert von Alban Berg im Zentrum, einem der bewegendsten Werke der klassischen Moderne: „Dem Andenken eines Engels“ gewidmet, nämlich der 1935 mit 18 Jahren an Kinderlähmung verstorbenen Manon Gropius, Alma Mahlers Tochter aus der kurzen Ehe mit dem bedeutenden „Bauhaus“-Architekten Walter Gropius, umweht das Konzert eine besondere Aura, indem ein Bachchoral und eine Kärntner Volksweise als bedeutsame Zitate eingewoben sind – und Berg selbst wenige Monate nach Vollendung gestorben ist: Vilde Frang bringt den Solopart zum Singen. Außerdem beschwört Andrés Orozco-Estrada mystische Klänge von Giacinto Scelsi, hebt eine Novität für Sopran und Orchester von Johannes Maria Staud aus der Taufe und plädiert zusammen mit Martin Grubinger auch für das fulminante Schlagzeugkonzert Sieidi des Finnen Kalevi Aho, in dem Klänge aus der ganzen Welt in spannenden Austausch treten: ein Symbol für die verbindende Kraft der Musik. „Jeder schien zu fühlen, ein solcher Moment werde in seinem Leben niemals wiederkehren“, schrieb Anton Schindler über die eingangs geschilderte Beethoven-Akademie. Nach diesen glorreichen Augenblicken streben die Wiener Symphoniker und Andrés Orozco-Estrada auch in der Saison 2021 – 22 mit vereinten künstlerischen Kräften.

von Walter Weidringer

Tan Dun, Kalevi Aho, Avner Dorman: Die Schlagzeugkonzerte dieser drei Komponisten sind extrem unterschiedlich und geben so ganz nebenbei auch einen groben Überblick, was das Schlagzeug als Soloinstrument im musikalischen Dialog und Wettstreit mit dem Orchester alles kann“: Multipercussionist Martin Grubinger, als „WSY-Artist 21 – 22“ in dieser Saison mit sechs Auftritten und drei verschiedenen Programmen so etwas wie ein Dauer-Ehrengast der Wiener Symphoniker, ist Feuer und Flamme für die Werke, die er zusammen mit dem Orchester und drei auch für ihn besonderen Dirigenten realisieren wird. Besonderes Gewicht erlangen diese fünf Abende und eine Matinee in Konzerthaus und Musikverein auch durch eine andere, private Tatsache: Das schon vor längerer Zeit angekündigte Ende seiner aktiven Musikerkarriere mit 40 im Jahr 2023 wird Martin Grubinger, trotz so vieler Ausfälle durch die Pandemie, nicht überdenken und nach hinten verschieben. Glück im Unglück: „Es stehen noch so manch größere, aufregende Dinge an, auch Uraufführungen, zum Beispiel von Johannes Maria Staud, Thomas Larcher oder Daníel Bjarnason. Überhaupt werden meine letzten zwei Jahre gespickt sein mit tollen Projekten – und die Konzerte mit den Wiener Symphonikern liegen mir auch deshalb ganz besonders am Herzen. Aber dann hab’ ich tatsächlich andere Pläne.“ Natürlich findet der Professor an der Universität Mozarteum Salzburg im Unterrichten längst eine ganz spezielle Freude, doch: „Es gibt da noch den alten Traum des Geschichtsstudiums, den ich unbedingt verwirklichen will …“

„Der Slow-Burner ist das Spannendere“

Vorläufig bleibt jedoch neben der Familie die Musik das wichtigste Abenteuer – ein Abenteuer übrigens, das schon auf dem Papier beginnt. „Manchmal wünschte ich, die Komponisten dieser Welt könnten sich in der musikalischen Notation des Schlagwerks auf zwei, maximal drei verschiedene Wege einigen – aber so weit sind wir noch nicht“, schmunzelt Grubinger. „Das heißt, wenn ich zwei verschiedene Stücke einstudiere, muss ich beim Blick in die Partitur immer umdenken: Friedrich Cerha zum Beispiel notiert einfach ganz anders als etwa Peter Eötvös. Aber trotzdem ermöglicht das auch, die jeweilige Musiksprache besser verstehen und erfassen zu können.“ Bei neuen Partituren hofft er weder auf sofortige Euphorie, noch lässt er sich von etwaiger Ratlosigkeit entmutigen: „Eigentlich ist der Slow-burner das Spannendere, das Stück, das man sich in jeder Hinsicht erst erarbeiten muss. Wie oft bin ich schon vor Partituren gesessen, hab mir den Kopf gekratzt und gedacht: Oje, was ist denn das? Und dann bei der Einstudierung, bei den Proben zur Uraufführung mit dem Komponisten oder gar erst bei der Premiere komme ichdrauf, was das für tolle Musik ist! Überhaupt vertieft sich das Verständnis erst mit den folgenden Aufführungen wirklich, die deshalb ja noch viel wichtiger sind. Also fälle ich auf keinen Fall verfrühte Urteile, sondern freue mich darüber, dass ich mich auf den ersten oder zweiten Blick schon oft getäuscht habe – und gebe einfach in jeder Phase mein Bestes.“ Ein treues, begeistertes Publikum aller Altersgruppen weiß das längst und folgt dem Star auch auf fallweise überraschenden, ungewohnten künstlerischen Wegen mit offenen Ohren nach – weil dem künftigen Geschichtsstudenten Martin Grubinger mit seinem Musizieren das Geschichtenerzählen in exemplarisch aufregender Manier gelingt, gerade bei den genannten musikalischen Werken, für die er brennt: Zwei davon hat er selbst in Auftrag gegeben, nämlich die Schlagzeugkonzerte des aus China stammenden Tan Dun, der für seine Filmmusik zu Tiger and Dragon mit dem Oscar ausgezeichnet wurde, und von dessen israelischem Kollegen Avner Dorman.

Tan Dun behandelt in Tears of Nature die elementare Gewalt der Natur, ihre Tränen, wenn sie geschunden wird, aber auch ihre regenerative Kraft: „Im zweiten Satz verwendet er ein Volkslied aus Südostchina, seiner Heimat. Ich habe das ein paar Mal mit ihm in China gespielt und war fasziniert, wie die Leute dort sofort mitgesummt haben“, erzählt Grubinger. „Der dritte Satz ist mit seinen Big-Band-Klängen auch eine Hommage an Tan Duns Wahlheimat New York, wohin das chinesische Volkslied musikalisch mitwandert. Es gibt da auch eine große Kadenz, in der die verschiedenen Instrumente mit ihren Motiven nochmals schön ineinander verwoben auftreten. Keine Improvisation, alles ist strikt vorgegeben – und der Komponist ist erpicht auf exakte Umsetzung!“ Auch in Wien, denn Tan Dun selbst wird die Symphoniker dirigieren. Dormans Konzert Frozen in Time ist von prähistorischen, miteinander verbundenen Kontinenten inspiriert: Grubinger hat es laut eigener Schätzung schon ungefähr 130 Mal gespielt – und das mit gutem Grund. „Das Hauptthema des ersten Satzes (Indoafrica) basiert auf Tālas, südindischen rhythmischen Zyklen und Tonleitern, beim zweiten (Eurasia) kann man das „Ach, ich fühl’s“ aus Mozarts Zauberflöte heraushören, der dritte Satz (The Americas) ist eine rasante perkussive Reise durch den Doppelkontinent.“ Am Dirigentenpult steht dabei so etwas wie ein Zunftkollege Grubingers: „Lorenzo Viotti ist ja auch Schlagzeuger und hat sogar in Wien studiert.“

Eine musikalische Freundschaft

Es sei eigentlich ein planerischer Zufall gewesen, sagt Martin Grubinger, aber es fällt doch auf, wie schön alle drei Schlagzeugkonzerte inhaltlich ineinandergreifen mit ihrem begeisterten Durch- und Miteinander verschiedener (Musik-)Kulturen, von Einst und Jetzt, von gegenseitiger Achtung, Wertschätzung und dem Einsatz für das Bedrohte: Das gilt nämlich auch für Sieidi (Kultstätte) des Finnen Kalevi Aho – und passt perfekt zu Grubinger, der sich bekanntlich seit langem auf vielen Ebenen und Kanälen vehement für eine Politik der Menschlichkeit einsetzt, im weitesten Sinne. „Aho hat Sieidi ursprünglich für meinen Kollegen Colin Currie geschrieben, und es war mein spezieller Wunsch, es mit den Symphonikern wieder aufzuführen. Der Titel bezieht sich auf eine heilige Stätte der Samen, des indigenen Volks im nördlichsten Europa. Ich finde, dieses tolle Werk ist für den Solisten besonders aufregend, übrigens mit einem relativ kleinen Instrumentarium, und entwickelt dabei eine spezielle intellektuelle Tiefe. Das Publikum wird in eine andere Welt entführt. Für das Orchester bedeutet es nicht zuletzt rhythmisch eine spezielle Herausforderung, weil es so komplex gearbeitet ist und sich zugleich in den gewählten Farben als besonders vielschichtig erweist. Ich habe überhaupt eine Schwäche für Ahos Musik, weil sie nicht radikal mit allem Bisherigen brechen will, sondern Vergangenheit und Tradition auf originelle, persönliche Weise weiterspinnt. Es ist übrigens das finnische Solokonzert mit den zweitgrößten Aufführungszahlen weltweit – nach dem Violinkonzert von Sibelius.“

Der musikalische Partner am Pult ist in diesem Fall der Chefdirigent der Wiener Symphoniker, Andrés Orozco-Estrada. „Mit Andrés verbindet mich schon seit vielen Jahren eine musikalische Freundschaft“, sagt Martin Grubinger, „und ich freue mich sehr, dass ich auch auf seine Initiative hin diese drei Schlagzeugkonzerte mit den Symphonikern realisieren kann. Ich glaube sagen zu können, dass ich ein echter Fan von Andrés bin, und zwar nicht nur als Musiker. Man erlebt als Solist ja eine Unzahl von Dirigenten in verschiedensten Altersstufen und Sozialisierungen. Andrés ist Humanist – was kann man sich mehr wünschen?“

von Walter Weidringer

"Draußt in Hietzing gibt’s a Remasuri“: So singen voller Begeisterung der gräfliche Kammerdiener Josef und seine Freundin Pepi Pleininger, ihres Zeichens Probiermamsell, in der Operette Wiener Blut, die Adolf Müller aus Tanzmusik von Johann Strauss Sohn zusammengestellt hat – 1899, im Todesjahr des Komponisten, und damit knapp vor der Gründung der Wiener Symphoniker: Unter dem Namen Wiener Concertverein gaben sie bekanntlich am 30. Oktober 1900 unter ihrem Chefdirigenten Ferdinand Löwe ihr Gründungskonzert im Musikverein. Die Remasuri, sie benennt im Wienerischen eine Ansammlung, einen Wirbel – und wer könnte sich schönere Wirbel vorstellen als die musikalischen? „Picksüss’ Hölzl a dabei – / Harfenisten, Dudlerei – / Ah, da wird’s heut’ fein!“
Wenig später waren auch die heutigen Wiener Symphoniker in ihrer ersten Inkarnation schon für diese oder jene Remasuri abseits des großen Musentempels verantwortlich, noch bevor ihnen neben dem Musikverein ein zweiter Stützpunkt des Wahren, Guten und Schönen zuwachsen sollte, ja überhaupt ein zweites Hauptquartier, nämlich in Gestalt des Wiener Konzerthauses. Sie griffen damit eine längst selbstverständliche, beliebte Tradition auf, die den Ort genauso betraf wie die Art der Programme – im Volksgarten etwa, im dortigen, allseits beliebten Cortischen Caféhaus und seiner halbrunden Säulenhalle. Dort hatte nämlich schon 1841, Johann Strauss Vater mit seiner Kapelle zwischen unterhaltsamen Werken aus eigener Feder das Andante aus Beethovens Fünfter Symphonie und die Ouvertüre zu Fidelio aufs Programm gesetzt, „ohne befürchten zu müssen, sein Publikum, das durchaus aus einfachen Bürgern und tanzfreudigen jungen Menschen aus den nahen Vorstädten bestand, mit diesen volksbildnerischen Ambitionen abzustoßen“, wie Kurt Dieman später schrieb. Johann Strauss Sohn ging den entscheidenden Schritt weiter: Während der kaisertreue Papa mit seinem bis heute berühmtesten Werk 1848 die Niederschlagung des nationalitalienischen Aufstands in der Lombardei und den siegreichen Feldmarschall Radetzky feierte, sympathisierte der Filius offen mit den Revolutionären – und dazu passt auch sein Eintreten für die umstürzlerische, narkotisierende und gerade auch unter Fachleuten höchst umstrittene Musik des Gottseibeiuns jener Zeit: Richard Wagner. Die Wiener Hofoper war noch gar nicht kläglich an der Uraufführung von Tristan und Isolde gescheitert (nach nicht weniger als 77 Proben!), da hatte Strauss Sohn mit seiner spieltechnisch famosen Kapelle längst, nämlich 1860, den staunenden Wienern im Tristan-Vorspiel nebst Liebestod in eigener Fassung vor Ohren geführt, wie sich die chromatischen Windungen, polyphonen Verästelungen und harmonischen Volten von Wagners wohl kühnster Komposition anfühlten – und nicht wenige reale Gegenstücke des eingangs erwähnten Paares Josef und Pepi müssen sich unter den aufgewühlten Zuhörern befunden haben. Es sind unerhörte und zugleich so naheliegende Vorarbeiten wie diese, die zeigen, wie eng das vermeintlich bloß Populäre und das Kühnste, Modernste zusammenarbeiten konnte: vor ein und demselben Publikum.
In genau dieses Horn stieß dann mit frischem Mut auch das neue Orchester – und empfand sich zugleich den hehren Klassikern verpflichtet wie auch als legitimer Nachfolger der integrativen, nicht auf vermeintliche Standes- und Stilgrenzen achtenden Programmpolitik der Strauss-Dynastie: Kapellmeister wie Karl Komzák und ab 1905 vor allem Martin Spörr erfreuten ein bunt gemischtes Publikum mit „volksthümlichen Concerten“, gerade auch im Volksgarten, in Hietzing oder Meidling. Und wer zum Beispiel bei einzelnen symphonischen Sätzen Lust auf mehr bekam, ließ sich bei ohnehin erschwinglichen Eintrittspreisen auch in den Musikverein zu den „seriösen“ Veranstaltungen mit vollständigen Werken locken. So zumindest die Theorie – denn in der Praxis sollte sich bald zeigen, dass das Publikum sozusagen weiter war als angenommen: „Schon kurze Zeit nach Einführung der vom Concertcerein gespielten Populärkonzerte stellten die Veranstalter mit unverhohlener Befriedigung fest, daß zunehmend seriösere Programme (mit kompletten Symphonien und einheitlichem Programmniveau) nicht nur möglich sind, sondern vom Publikum ausdrücklich verlangt werden“, stellt der Historiker und frühere Symphoniker-Oboist Ernst Kobau fest.

Arbeiterschaft und reisende Virtuosen

Am 28. Dezember 1905 starteten zudem auf Betreiben von David Josef Bach, Feuilletonredakteur der Arbeiter-Zeitung und Freund Arnold Schönbergs, die legendären Arbeiter-Symphoniekonzerte im Musikverein – mit Webers Oberon-Ouvertüre, Klavierliedern von Wolf, Orchesterliedern und der Tannhäuser-Ouvertüre von Wagner sowie Beethovens Eroica unter Löwe. „Ungefähr achtzig Jahre zuvor“, erinnerte sich Bach später, hatte die Gesellschaft der Musikfreunde „eine neue Schicht, das Bürgertum, als Träger der Musikpflege in Österreich und besonders in Wien der Welt gezeigt. An jenem Abend spielte zum ersten Mal die Arbeiterschaft eine sichtbare Rolle in der Geschichte der Musikpflege Wiens.“ In diesem Ambiente sollte 1913, als einer von zahlreichen prominenten Gastdirigenten schon in der Frühzeit des Concertvereins, der junge Wilhelm Furtwängler sein Wien-Debüt geben – übrigens zusammen mit dem kaum 16-jährigen Georg Szell am Klavier. Die sogenannte musikalische Hochkultur war nicht mehr bloß den Betuchten vorbehalten, und die Arbeiter-Symphoniekonzerte wurden – trotz anfänglicher Skepsis hochrangiger sozialdemokratischer Politiker – im wahrsten Sinne populär. Darüber sollte freilich die Paradoxie nicht vergessen werden, dass die qualifizierten Facharbeiter im Publikum in der Regel ein höheres Einkommen bezogen als die Musiker auf dem Podium, die im Prekariat gefangen waren: Nebenverdienste in Kurorchestern, etwa in Baden oder als ganzes Orchester im bayerischen Bad Kissingen, waren gerade in den Sommermonaten noch lange unverzichtbar. Und auch der Auftritt in „Begleitkonzerten“, wo sie reisenden Virtuosen eine klangliche Bühne boten, unter ihnen die Geiger Pablo de Sarasate, Eugène Ysaÿe, Fritz Kreisler oder Bronisław Huberman, die Pianisten-Komponisten Eugene d’Albert und Ernst von Dohnányi sowie der Cellist Pablo Casals. Da ist es gedanklich nur ein Katzensprung etwa zum Festwochen-Auftritt der Wiener Symphoniker auf dem Rathausplatz mit der auf ihrem ureigenen Gebiet nicht minder umjubelten Conchita Wurst 2017 nebst nachfolgender CD-Produktion.

Gegenpol zur Militärmusik

Doch zurück ins Jahr 1907, wo dem Concertverein und seinem Orchester plötzlich eine Konkurrenz erwuchs: Gleichfalls auf Basis eines Vereins wurde nämlich das Wiener Tonkünstler-Orchester ins Leben gerufen – und die Meinungen gehen auseinander, ob das damals eine aufgrund wachsender Nachfrage auf der Hand liegende Erweiterung des musikalischen Angebots der Stadt darstellte oder vielleicht doch eher eine keineswegs von vornherein Glück verheißende, also eher kühne Unternehmung. Es zählt zu den großen Brüchen und Verwerfungen der österreichischen Orchestergeschichte, dass dieses Wiener Tonkünstler-Orchester eben kein Vorläufer der heutigen Tonkünstler war, sondern mittelfristig auf institutioneller wie auch personeller Ebene in die Frühzeit der späteren Symphoniker eingemeindet wurde und in ihr aufgegangen ist. Wie im Merkreim die Quellflüsse Brigach und Breg die Donau, sollten Concertverein und Tonkünstler schließlich die Symphoniker zu Weg’ bringen: Die durch den Ersten Weltkrieg bedingte, eigentlich vorübergehend gedachte Fusion der Klangkörper zum Wiener Sinfonie-Orchester, die ihren beiden Konzertreihen den Fortbestand ermöglichte, musste in der neu geborenen Ersten Republik schon aus wirtschaftlichen Zwängen beibehalten werden, bis das Provisorium, vielleicht typisch österreichisch, sich in einen wohlgelittenen Dauerzustand verwandelte. Doch wer hätte gedacht, dass dem Orchester, das erstmals ab 1933 endlich auch den vertrauten Namen Wiener Symphoniker trug, die schlimmsten Zeiten noch bevorstanden? Das „Fest der Freude“ am Heldenplatz erinnert seit 2013 jedes Jahr am 8. Mai an die Befreiung von den Schrecken der Nazidiktatur und des Krieges. 2022 steht dabei Lahav Shani am Pult.

Aber nochmals in der Geschichte retour zu dieser zweiten Symphoniker-Quelle: Zunächst ging es beim Tonkünstler-Orchester auch darum, den wie schon angedeutet oft an der Armutsgrenze agierenden Zivilmusikern Verdienstmöglichkeiten zu verschaffen, da sie angesichts der Auftritte populärer (und ohnehin gut besoldeter) Militärkapellen in einem ständigen Kampf um ihr täglich Brot lagen. Da konnte es durchaus vorkommen, dass ein Klarinettist auf Violine umschulte, wie es Kobau etwa von jenem Ernst Dörfler berichtet, der von der Holzbläsersektion des Concertvereins zu den Sekundgeigen der Tonkünstler wechselte. Dieser neue Klangkörper war, so Dörfler als Zeitzeuge dieser Frühzeit, „eigentlich als populäres Orchester für leichte Musik gedacht, und sollte im Annahof, beim Weigl, in Hietzing, Türkenschanzpark, Volksgarten, Wilden Mann, Auge Gottes, Sofiensaal, Ronacher, Arbeiterheim Favoriten und Arbeiterheim Ottakring u. dgl. Fuß fassen, um den immer mehr um sich greifenden Militärkapellen einen wirksamen Gegenpol zu bieten.“ Dem musikalischen Niveau tat die vermeintlich mindere Ausrichtung keinen Abbruch. Schon anlässlich des Debütkonzerts waren hymnische Kritiken zu lesen, in denen vor allem die Klangqualität sowohl der einzelnen Gruppen als auch des Tutti sowie die rhythmische Präzision gerühmt wurden. Und ein Chefdirigent wie Oskar Nedbal sorgte für durchaus anspruchsvolle Programme mit Novitäten auf der Höhe der Zeit.

Die DNA des Orchesters

Aber was für eine illustre Sammlung von heute nicht mehr durchwegs bestehenden oder auch nur als historische Erinnerung präsenten Spielorten liefert Dörfler im Rückblick: abseits der inneren Tempelbezirke der so genannten Hochkultur, aber dafür direkt am Puls der Stadt, dort, wo es dem Vergnügen galt und zugleich das Verlangen nach dem pikanten Neuen gestillt werden wollte. Der Ballsaal des St.-Anna-Hofes neben der Annakirche in der Inneren Stadt; der Dreherpark mit der extra dorthin umgesiedelten Katharinenhalle in Meidling, betrieben vom zunächst in Hernals erfolgreichen Unternehmer Johann Weigl; der Türkenschanzpark und das Wirtshaus „Zum wilden Mann“, beides in Währing; der schon mehrfach erwähnte Volksgarten; das Hotel „Auge Gottes“ mit großem Ballsaal in Alsergrund; die später auch als Aufnahmestudio legendär gewordenen Sofiensäle im Bezirk Landstraße; das Ronacher in der Seilerstätte, damals geradezu ein Beherbergungs- und Veranstaltungszentrum; die genannten Arbeiterheime und mehr: All die von Dörfler genannten Podien gehören untrennbar zur Frühgeschichte der Wiener Symphoniker, und das dort dargebotene Repertoire hat sich in die Summe spieltechnischer Erfahrungen eingespeist, die als Interpretations- und Klangkultur von Generation zu Generation und von Pult zu Pult weitergegeben werden und somit gleichsam die DNA des Orchesters bilden. Um nur bei den Werken der Strauss-Dynastie zu bleiben: Die Philharmoniker haben sich ihnen erst spät in ihrer Geschichte punktuell zu widmen begonnen und ausgerechnet in dunkelster Zeit, nämlich 1939, jene Konzerte begründet, ohne die sich heute viele Menschen den Jahreswechsel kaum mehr vorstellen können. Aber: Wäre dieses Konzert das einzige seiner Art, hätte es dennoch seinen Zweck verfehlt – weil seine Wurzeln in trockenem Boden verdorrten. Sein musikalischer Humus muss nämlich ständig und umfassend neu aufbereitet und perfektioniert werden, für nachwachsende Musikerinnen und Musiker ebenso wie fürs Publikum. Denn der Walzer ist das unerlässliche Bindeglied zwischen Schubert und der klassischen Moderne. Jedes Orchester, das auf seine wienerisch-österreichische Tradition hält, muss deshalb diese Werke pflegen, sonst wäre es irgendwann vorbei mit seiner besonderen Spielkultur, bei der die Phrasen auf einem subtil modifizierten Rhythmus schweben. Die Wiener Symphoniker tun das traditionell nicht zuletzt beim Konzert „Frühling in Wien“ im Musikverein und im Wiener Konzerthaus, das auch unter dem Chefdirigenten Andrés Orozco-Estrada weiterhin Wienerischen Charme mit internationalem Flair verbindet.

Künste und Sinne vereint

Selbstverständlich sind die Wiener Symphoniker auch wieder im Theater an der Wien präsent, wo ihre direkten Vorfahren schon 1908 populäre Sonntagsmatineen gegeben und wo sie selbst 2006 das Eröffnungskonzert der traditionsreichen Bühne als „Das neue Opernhaus“ der Stadt bestritten haben: 2021 steht eine Neuproduktion von Alfredo Catalanis in Tirol angesiedeltem Verismodrama La Wally an. Beim Abschlusskonzert des Festivals Wien Modern widmen sie sich unter Leitung des Komponisten und Dirigenten Beat Furrer ebenso neuer und neuester Musik wie im Volkstheater: Dort wirken die Wiener Symphoniker nämlich an der Aufführung von Ragnar Kjartanssons Stück Der Klang der Offenbarung des Göttlichen mit, für das Kjartan Sveinsson, ein ehemaliges Mitglied der berühmten isländischen Postrock-Band Sigur Rós, die aufwändige Musik geschrieben hat. Ein besinnliches Adventkonzert im Stephansdom, für das auch einiger Starglanz in Aussicht gestellt ist, fügt sich da zwanglos in die enorm breite Palette ein, die das vielseitige Orchester auf immer neue Weise fordert und zum Glänzen bringt.
Aber wie rege die Wiener Symphoniker in der Saison 2021–22 wirklich „Unterwegs in Wien“ sein und die Stadt gleichsam mit Musik fluten werden, zeigt sich natürlich vor allem andernorts: in teils bereits für musikalische Darbietungen etablierten, beliebten Arealen wie dem Hof des MuseumsQuartiers, der gleich zweimal zum Schauplatz von Open-Air-Konzerten wird, bei einem weiteren Freiluftkonzert für die ganze Familie im Prater – oder bei den ohnehin schon traditionellen Grätzl-Konzerten in Meidling, Liesing und Favoriten.
Das vielfältige Orchestererbe der Präsenz an vielen, nicht unbedingt mit klassischer oder überhaupt einer Musik verbundenen Orten der Stadt treten die Wiener Symphoniker also nun bewusster und umfassender denn je an. Besonders anregend verspricht eine neu geschaffene Kammermusikreihe im Kunsthistorischen Museum zu werden, weil sie verschiedene Künste und Sinne vereint anspricht – thematisch fein abgestimmt auf berühmte Exponate sowie jeweils aktuellen Sonderausstellungen des Hauses: Musikgenuss verschiedener Ensembles, die sich aus dem Orchesterpool rekrutieren, Museumseintritt und Spezialführung, alles mit einem einzigen Ticket. Das öffnet nicht nur Türen zum und im Museum, sondern auch in Herz und Hirn.
So präsentieren sich die Wiener Symphoniker als Quelle ganz verschiedener, aber durchwegs erstklassiger Remasuri: Den „Puls der Stadt“ nicht bloß zu messen, sondern ihn im Publikum auf die schönste, gesundeste Weise höherschlagen lassen, das ist ihr Ziel.

Die wichtigsten Infos zum Prater-Picknick

Wo findet das Prater-Picknick genau statt?

Das Konzert findet auf der Kaiserwiese vor dem Haupteingang zum Wurstelprater statt – zwei Gehminuten von der U- und S-Bahn-Station Praterstern. 

Wie reise ich am besten an?

Wir empfehlen, mit den öffentlichen Verkehrsmitteln anzureisen. In der Ausstellungsstraße gibt es eine kostenpflichtige Parkgarage. Ansonsten sind die Parkplätze in der Umgebung rar und die Fahrradständer eventuell stark frequentiert.

Der Eintritt zum Prater-Picknick ist frei. Kann ich einfach hinkommen?

5.000 Besucher:innen sind am Gelände zugelassen. Einlass ist um 17:00 Uhr. Die ersten 5.000 Personen bekommen Zutritt ins Konzertareal. Das Konzert beginnt um 19:30 Uhr.

Wen kann ich zum Prater-Picknick mitnehmen?

Das Prater-Picknick ist für alle Altersgruppen geeignet. Familien mit kleinen Kindern empfehlen wir aufgrund des begrenzten Platzangebots, statt Kinderwägen Tragehilfen oder andere Transport-Varianten zu wählen. Hunde müssen zuhause bleiben. 

Was kann ich zum Prater-Picknick mitnehmen?

Alle Besucher:innen sind eingeladen, ihre eigenen Picknick-Decken und gefüllten Picknick-Körbe mitzunehmen. Es gibt auch vor Ort Picknick-Decken sowie Getränke zu erwerben. (Camping)-Stühle und anderes Mobiliar sowie Regenschirme sind nicht erlaubt.

Was passiert bei Schlechtwetter?

Das Konzert findet auch bei ungünstiger Witterung statt. Nehmen Sie bei entsprechender Wettervorhersage zur Sicherheit Regenschutz mit. Wir empfehlen Regenponchos. Regenschirme sind nicht zugelassen.

Welche Infrastruktur gibt es vor Ort?

Wie bei jeder großen öffentlichen Veranstaltung gibt es Toilettencontainer. Am Stand der Wiener Symphoniker können Sie Picknickdecken, T-Shirts, Kappen uvm. erwerben. Nutzen Sie auch das gastronomische Angebot des Praters!

Welche Zahlungsmöglichkeiten gibt es?

Sie können sowohl bar als auch mit Bankomat- bzw. Kreditkarte bezahlen. 

Gibt es eine Plattform für Besucher:innen mit Behinderung?

Ja. Die Plattform befindet sich in der Nähe des Zeltes des Roten Kreuz'. 

Ich habe etwas am Gelände gefunden oder verloren. Was kann ich tun?

Geben Sie Fundgegenstände bitte bei der Prater-Informationsstelle (beim Eingang zum Riesenradplatz) ab. Um Ihre verlorenen Dinge zurückzubekommen, wenden Sie sich an das Wiener Fundamt unter der Telefonnummer +43 1 4000-8091 oder per E-Mail an fundservice@ma48.wien.gv.at.

Wird das Konzert im Fernsehen übertragen?

Das Konzert am 28. Juni wird am selben Tag in ORF 2 übertragen. Danach ist das Konzert in der ORF TV-Thek abrufbar.

Mit den Augen hört man besser

Unsere beliebte Kammermusikreihe im Bassano Saal des Kunsthistorischen Museums geht weiter. Hören Sie die Bilder der Sammlung komplett neu und sehen Sie die Musik mit anderen Augen! Zu jedem Kammerkonzert gehört eine exklusive Führung, in der Kunstwerke auf die jeweiligen Programme einstimmen.

Sechs Abende, sechs Welten  

Feiern Sie packende Rhythmen und beschwingte Dynamik mit dem Ensemble Tango5! und bestaunen Sie das lukullische "Venusfest" von Peter Paul Rubens. Lassen Sie sich von den Flöten der Wiener Symphoniker zur Macht der Liebe bezirzen und flanieren Sie durch Rubens‘ Bilder wie „Das Pelzchen“ oder Lukas Cranachs „Das ungleiche Paar“. Lassen Sie sich mit dem Arioso Quartett von Künstler-Konkurrent:innen in der Bildenden Kunst und der Musik inspirieren und feiern Sie gemeinsam mit dem Symphonic Brass Trio Vienna die Schönheit und Harmonie in den Werken von Bach und Purcell, deren Athletik sich in den Kunstwerken von Giorgione Fra Bartolommeo oder Bernardo Bellotto spiegeln. Das Barocktrio Wien führt Sie durch die verschnörkelte Kunst der Epoche von Arcangelo Corelli oder Antonio Vivaldi. Zu einer Reise zwischen Okzident und Orient laden Sie der Wiener Diwan mit dem syrisch-kurdischen Sänger und Bouzouk-Spieler Salah Ammo und dem österreichischen Percussionisten Peter Gabis – ein visueller und akustischer Blick über den Tellerrand der Kulturen.

Im Preis inkludiert sind der Museumseintritt (ausgenommen Sonderausstellungen), eine exklusive Führung und das Konzert im Bassano Saal. 

„Inmitten der Stadt“ haben die Wiener Symphoniker ihre Spielzeit 22-23 übertitelt. Sie wollen damit ihre Verbundenheit mit Wien und den Wiener:innen zeigen und sich wie immer als lebendiger Teil der Stadt präsentieren. Verwurzelt sind sie in den beiden großen Konzerthäusern: dem Wiener Konzerthaus und dem Musikverein Wien, in denen sie mit mehr als 80 Konzerten das Konzertleben Wiens maßgeblich prägen.

Neu sind diese Saison die Beisl-Konzerte, bei der Ensembles der Wiener Symphoniker zur musikalischen Beisl-Wanderung einladen, und das langersehnte Filmmusik-Konzert Cinema:Sound, das 2022 coronabedingt um ein Jahr verschoben werden musste.

Wieder im Programm sind die in der letzten Saison erfolgreich ins Leben gerufenen Jahres-Highlights: das Adventkonzert im Stephansdom, das Prater-Picknick und die Kammermusik-Serie im Kunsthistorischen Museum Wien.

Künstlerische Schwerpunkte

Ein inhaltlicher Schwerpunkt liegt in der Saison 22-23 auf zwei Komponisten, die das musikalische Leben Wiens wesentlich gestaltet haben: Franz Schmidt und Johannes Brahms. Ingo Metzmacher wird etwa Schmidts Das Buch mit sieben Siegeln dirigieren - mit Chor und Orchester der Premierenbesetzung vor 85 Jahren. Brahms‘ Symphonien werden nicht nur in Wien zu hören sein, sondern auch auf Gastspielen in Österreich und Deutschland.

Letzte Saison bereits umjubelte Solistin in Wien und auf Tournee, kehrt die norwegische Geigerin Vilde Frang als WSY-Artist der Saison 22-23 zurück. Sie ist mit Felix Mendelssohns e-Moll-Konzert, Béla Bartóks 2. Violinkonzert und Edward Elgars h-Moll-Violinkonzert zu erleben.

Die Saisonbroschüre 22-23

Unsere Saison mit allen Konzerten und Abos, den thematischen Schwerpunkten sowie Texten zu Interpret:innen und Komponisten finden Sie in unserer Saisonbroschüre. Online durchblättern, als PDF downloaden oder kostenlos bestellen: Hier geht’s zur Saisonbroschüre 22-23.

Saison-Update 22-23

Neue Saison, neue Dirigent:innen: Nachdem unser Chefdirigent sein Amt vorzeitig zurückgelegt hat, konnten die betroffenen Konzerte hochkarätig nachbesetzt werden. Hier geht’s zu den neuen Dirigent:innen.

Wir danken: Gebrüder Thonet Vienna

Daheim in Wien

Wenn die Wiener Symphoniker Wien als Metropole des Klangs feiern, darf es auch leger zugehen. Zum ersten Mal gehen die Musiker:innen diese Saison auf Beisl-Tour. Verschiedene Kammermusik-Ensembles spielen - ganz ohne Frack - in den schönsten Lokalen der Schleifmühlgasse. Natürlich musizieren die Symphoniker auch wieder in den Fußball- und Spielkäfigen der Stadt, geben Grätzl-Konzerte in den Bezirken, laden zum Fest der Freude auf den Heldenplatz und zum Picknick-Konzert in den Prater zum Sommerferienbeginn. Im Kunsthistorischen Museum treten sie in Dialog mit der Kunst. Besinnlich wird es in der Vorweihnachtszeit. Mit der Trompeterin Alison Balsom und den Wiener Sängerknaben bringen die Wiener Symphoniker mit stimmungsvoller Adventmusik den Stephansdom zum Klingen.

Zuhause in der Welt

Mit 40 Konzerten in 10 Ländern tragen die Symphoniker den Wiener Klang auch in dieser Saison wieder in die Welt. Es geht auf mehrere Tourneen: quer durch Europa mit dem Pianisten Jan Lisiecki, auf Deutschland-Reise mit der Pianistin Beatrice Rana und endlich auch wieder nach Asien. In China, Korea und Japan stehen Konzerte mit der Geigerin Hilary Hahn am Programm. Natürlich reisen die Wiener Symphoniker auch durch Österreich - die ersten beiden Brahms-Symphonien im Gepäck.

Hauptfach Oper

Traditionell sind die Wiener Symphoniker seit jeher als Opernorchester bekannt. Die ganz große Oper steht jedes Jahr auf der Seebühne der Bregenzer Festspiele auf dem Programm, wo das Orchester seit dem Gründungsjahr 1946 für den guten Ton sorgen.

Seit 2006 ist es auch Opernorchester im Theater an der Wien, das in der Saison 22-23 – der ersten des neuen Intendanten Stefan Herheim - grundlegend umgebaut wird. Die Halle E des MuseumsQuartier fungiert als spannende Ausweich-Location. Drei Opern bringen die Wiener Symphoniker hier zur Aufführung: Carl Maria von Webers romantische Oper Der Freischütz, Leoš Janáčeks Das schlaue Füchslein und die Familienoper Amahl und die nächtlichen Besucher von Gian Carlo Menotti.

Open Symphony: Musik für alle

Tausenden Kindern, Schüler:innen, Familien und Erwachsenen bieten die Wiener Symphoniker jedes Jahr erste, tiefergehende oder auch unerwartete Erfahrungen mit klassischer Musik. In den Schulkonzerten und den begleitenden Workshops stehen diese Saison Igor Strawinski, Bedřich Smetana und Pjotr Iljitsch Tschaikowski im Mittelpunkt. Familienkonzerte gibt es sowohl im Konzerthaus als auch im Musikverein, und in der Halle E des MuseumsQuartier steht sogar eine Familienoper am Programm.

Besonders am Herzen liegt den Wiener Symphonikern die Förderung junger Talente. Beim Nachwuchspreis WSY-Talent bekommen Nachwuchsmusiker:innen 2023 wieder die Gelegenheit, Solowerke mit den Wiener Symphonikern einzustudieren und im Wiener Konzerthaus aufzuführen.

Abonnements

Die Wiener Symphoniker bieten sieben eigene Zyklen in Kooperation mit der Wiener Konzerthausgesellschaft an: den neuen Johannes Brahms-Zyklus, die feierlichen Festkonzerte, den großen Wiener Symphoniker-Zyklus, die Sonntags-Matineen mit Barbara Rett, die 19 Uhr-Konzerte Fridays@7 mit lässigem Ausklang, die Reihe Vorhören! für die ganze Familie und die Kammermusik-Serie im Kunsthistorischen Museum Wien. Das Kammermusik-Abo gibt es auch als Wahlabo mit vier aus sechs Konzerten.

Alle Abonnements können über unsere Website sowie über das Ticket- und Service-Center des Wiener Konzerthauses gebucht werden.

Die Saison 22-23 der Wiener Symphoniker verspricht großartige Konzerterlebnisse. Nachdem unser Chefdirigent sein Amt vorzeitig zurückgelegt hat, konnten die betroffenen Konzerte hochkarätig nachbesetzt werden. Wir freuen uns auf:

Christoph Eschenbach dirigiert Johannes Brahms' "Ein Deutsches Requiem".

Ingo Metzmacher übernimmt die musikalische Leitung von Franz Schmidts Oratorium "Das Buch mit sieben Siegeln".

Omer Meir Wellber konnte für die Europa-Tournee inkl. zweier Konzerte in Wien gewonnen werden.

Fabien Gabel feiert mit uns den "Wiener Advent", unser Adventkonzert im Stephansdom.

Pablo Heras-Casado interpretiert mit uns Brahms' 1. und 2. Symphonie - sowohl in Wien als auch in Salzburg, Graz, Bregenz und Baden-Baden. 

Jaap van Zweden dirigiert Brahms' 3. und 4. Symphonie.

Patrick Lange steht bei Carl Maria von Webers Oper "Der Freischütz" am Pult.

Petr Popelka konnte für unser traditionelles Osterkonzert "Frühling in Wien" gewonnen werden.

Text: Walter Weidringer

Vilde? Eine Wilde im negativen Sinn ist Vilde Frang keineswegs. Also zum Beispiel eine, die sich um nichts scheren würde, weder um die Noten noch um ihr Umfeld auf der Bühne; eine, die einfach ihr Ding machen möchte, ohne Rücksicht auf Verluste. Vielmehr wirkt sie als Musikerin auf der Bühne so, als würde sie sprechen, sich im dauernden Dialog befinden. Beseelt von Mitteilsamkeit, ist sie mit ihrem hellen, flexiblen Geigenton (und einem berühmten Pianissimo!) immer im lebendigen Austausch mit den anderen, übernimmt einmal frisch die Führung, lauscht ein anderes Mal neugierig und reagiert dann sensibel, nimmt die musikalischen Bälle auf, spielt sie weiter – seien es nun Kammermusikpartner oder ein ganzes Orchester. Da scheint schon besser zu passen, dass der Vorname der 1986 in Oslo geborenen Geigerin sich von Alvilde oder Alfhild herleitet, bestehend aus den Teilen alfr (Elfe) und hildr (Kampf). Aber Vorsicht, keine klischeehaft-banalen Zuschreibungen, kein Geschwurbel! Allenfalls könnte man mit Hinblick auf diese Namenselemente vom Zusammenwirken aus Begabung und Arbeit sprechen – und das brauchen alle auf der Bühne. Nicht von Ungefähr wird in Kritiken an Vilde Frang immer wieder gerühmt, dass sie und ihre Spielweise sich nicht in Begriffen wie „mädchenhaft“ oder „dominant“, „bezaubernd“ oder „entschlossen“ erschöpfen würden: Die Musikerin bleibe immer sie selbst, einzigartig, mühelos, natürlich. Dabei hat es freilich geholfen und hilft immer noch, dass sie schon früh gewusst hat, wo die Reise hingehen sollte. Es gibt ein Foto von Vilde Frang, da steht sie als Fünfjährige in flauschigen Patschen im Wohnzimmer und spielt Geige – für ein Publikum aus mehreren Reihen von Kuscheltieren, die die ganze Couch bevölkern.

„Ich war alles, aber garantiert kein Wunderkind!“, wehrt sie dennoch das viel zitierte, aber auch zweischneidige Etikett ab: „Ein Wunderkind ist jemand, der all die großen Violinkonzerte schon früh perfekt spielt – Menuhin war solch ein Wunderkind, und es hat sicher auch viele andere gegeben, wie Anne-Sophie Mutter, Sarah Chang oder Midori. Meine Kindheit aber war geradezu märchenhaft, denn ich bin in einer sehr friedlichen Umgebung in Norwegen aufgewachsen und habe eine wunderbare Erziehung genossen. Ich habe viel gelesen, bin viel in die Oper und ins Theater gegangen und auch sonst keineswegs isoliert vom normalen Leben groß geworden.“ Das hat sie freilich nicht gehindert, im Alter von zehn Jahren beim Orchester des Norwegischen Rundfunks zu debütieren und mit zwölf dann bei den Osloer Philharmonikern – in diesem Fall mit Mariss Jansons am Dirigentenpult. Damals hatte sie in der erwähnten Anne-Sophie Mutter bereits eine strenge, aber auch hilfreiche Mentorin gefunden. Von deren Stiftung bekam sie eine Geige aus der Werkstatt Jean-Baptiste Vuillaumes von 1864 zur Verfügung gestellt – jenes Instrument, mit dem Vilde Frang ihre große internationale Karriere begründen konnte. Längst hat sie diese zu den namhaftesten Klangkörpern und auf die wichtigsten Konzertpodien der Welt geführt. Allerdings habe sie doch auch täglich mit dieser Geige „gestritten“, wie sie in einem Interview bekannte. Steckt also doch mehr als nur ein Hauch von hildr in Vilde Frangs Musikerinnenleben? Vielleicht. Es sei jedenfalls „ein sehr heilsamer Prozess“ gewesen, „dass ich ein Instrument hatte, an dem ich mich abarbeiten musste. Ohne das hätte ich mich wohl als Geigerin nicht annähernd so weit entwickelt. Meine neue Geige, eine Guarneri del Gesù, ist da komplett anders, sie legt mir einen Hermelinmantel um und setzt mir eine Krone auf."

Die Wiener Symphoniker rollen der hoch geschätzten Kollegin jedenfalls gern den roten Teppich aus. Zuletzt war Vilde Frang bei ihnen für Alban Bergs Violinkonzert zu Gast, das sie in Wien und auf Tournee interpretiert hat. Nun kehrt sie als WSY-Artist zurück: mit der elfengleichen Noblesse und Leichtigkeit von Felix Mendelssohns e-Moll-Konzert, mit Béla Bartóks 2. Violinkonzert und dessen ständig neu verhandelter Balance zwischen Klassizismus und Moderne, sowie mit dem kapitalen Konzert Edward Elgars, voller Edelmut, Größe und wundersamer Melancholie.